[Für DTM-Einsteiger] Wie man Vocaloid einprogrammiert

favorite_borderLetzte Aktualisierung:2017/6/4

• DTMermiruku kokoa
  Ehemaliger IT-Techniker. Ich benutze ein Windsynthesizer. Ich probiere, mit Vocaloid und CeVIO Songs zu machen, und mache auch Stücke mit eingeladenen Sängerinnen/Sängern. Ursprünglich war ich nur ein halbherziger DTM-Anwender, der nur Begleitungen zum Üben von Instrumenten erstellte, aber seit ich Vocaloid kennengelernt habe und seinen Wandel begleitet habe, bin ich als bloßer Musikliebhaber immer tiefer hineingeraten. Ich verwende Vocaloid 2 Megpoid, Vocaloid 3 IA und ONE in CeVIO Creative Studio.

Verwendung des mitgelieferten Synth-Plugins

Letztes MalIch habe es bis kurz vor dem Refrain erstellt, daher habe ich den Refrain fertiggestellt und es zu einer kompletten Strophe gemacht.

Letztes MalIm Anschluss möchte ich vorstellen, was wir gemacht haben.

In den meisten DAWs gibt es irgendeine Art von Analog-Synthesizer.Plugin...und so weiter sind enthalten.

In Cubase wären das zum Beispiel Prologue oder Retrologue.

Analoge Synthesizer können mithilfe der Synthese und Modulation von Wellenformen eine Vielzahl von Klängen erzeugen.

Auch die im Sampler enthaltenen Klänge wie Synth-Lead und Pads stammten ursprünglichanaloger SynthesizerEs gibt auch viele Klangfarben, die damit erzeugt und gesampelt wurden.

Zu den Merkmalen von analogen Synthesizern gehören Klangfarben, die sich in Kombination mit Filtern und Ähnlichem dramatisch verändern, sowie fette Bassklänge.

Dieses Mal verwende ich Prologue, um den vor dem Refrain grollend ansteigenden Sound und den fein bewegten Synthesizer-Klang nach dem Refrain zu erstellen, und für den geänderten Bass-Sound setze ich Retrologue und Prorogue ein.

Der Refrain folgt schlicht der Melodie.

Die Melodie des Refrains wurde so gestaltet, dass sie sich ab dem Ende des B-Teils geradlinig nach oben steigert.

In dem einen Takt zwischen der B-Melodie und dem Refrain füge ich den vorhin vorgestellten, „gyuruuun“ aufwärts steigenden Sound ein.

Auch der Rhythmus wird auf Four-to-the-Floor umgestellt, um die Stimmung zu wechseln und den Eindruck zu vermitteln: Ab hier kommt der Refrain.

Was ich mache, ist bis hierher dasselbe, aber da es der Refrain ist, bewege ich einiges ein wenig auffälliger.

Bis hierher kann man es fast ausschließlich mit den mitgelieferten Soundquellen erstellen.

Neben dem mitgelieferten Material verwendete Loops usw. sind ebenfalls frei verteilbare Materialien.

Für den Orchester-Hit verwende ich ausschließlich den Synthesizer Xpand!2, ein Produkt, das bei Verkaufsaktionen sehr günstig angeboten wird.

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Man braucht nicht viele hochfrequente Klangquellen, um es zu machen! Probiert es also unbedingt aus.

Einen Vocaloid-Part erstellen

Wenn wir bis hierhin vorbereitet sind, scheint es, als könnten wir den Vocaloid-Part einfügen.

Es wäre zwar nicht unmöglich, zunächst nur die Melodie singen zu lassen und dann zu produzieren, aber ich denke, es ist einfacher, erst das Begleitarrangement fertigzustellen und danach anzupassen, damit die Melodie nicht von anderen Klängen überdeckt wird und man die Lautstärke nicht noch einmal nachjustieren muss.

Ich kopiere die Melodiespur und erstelle eine Spur für den Vocaloid.

Es ist praktisch, die ursprüngliche Melodie aufzubewahren, wenn man später Harmonien oder eine Spur mit einer anderen Bewegung hinzufügen möchte.

(Diesmal habe ich es auch drin gelassen, weil ich später noch Harmoniestimmen hinzufügen möchte)

Wenn du die Region der kopierten Spur auswählst und im Vocaloid Editor öffnest, werden automatisch die Grundeinstellungen zugewiesen, damit sie mit Vocaloid gesungen werden kann.

Diesmal werde ich hauptsächlich die Vocaloid IA Rocks verwenden.

Im Vergleich zur Standard-IA hat sie einen etwas schnelleren Einsatz und eine klarere Stimme, sodass sie sich auch leichter für rhythmische Gesangspassagen eignet.

Anpassung des Vocaloid-Teils

Ehrlich gesagt hatte ich mir bis hierhin überhaupt keine Gedanken über den Liedtext gemacht, deshalb habe ich hastig Bilder/Ideen überlegt, die zur Stimmung des Stücks passen könnten.

Da es sich um Technopop handelt, habe ich versucht, ihm einen weltraumähnlichen Touch zu verleihen.

Das Tempo des Stücks ist mit 132 nicht besonders schnell, aber gerade bei diesem Tempo können Sechzehntelnoten in die Länge gezogen wirken, und Achtel- oder Viertelnoten klingen mitunter äußerst träge.

Während der Wiedergabe überprüfe ich es mit dem Gehör und korrigiere nacheinander Stellen, die ins Stocken geraten, sowie Passagen, in denen die Sechzehntelnoten in die Länge gezogen sind.

In den Teilen mit Sechzehntelbewegungen sollten die Noten etwas verkürzt werden, und wenn man den Decay in den Noten-Eigenschaften auf 0 % oder sehr niedrig setzt, erhält man eine klarere Stimme mit mehr Definition in der Bewegung.

Wenn man in diesem Fall die Velocity reduziert, entsteht eine Trägheit nach hinten, daher stellt man die Velocity eher hoch ein und senkt die Dyn (Dynamics), um das Lautstärkegleichgewicht herzustellen.

Der Akzent wird für jede Note entsprechend der Aussprache verändert.

Sofern nicht der Fall ist, dass auf dem Schlagkopf selbst eine Betonung der Note gewünscht wird, ist es im Allgemeinen sicher, Laute wie „s“, „h“ sowie „n“ mit einer eher niedrigeren Akzentuierung zu setzen.

Bei den Reihen „Sa“ und „Ha“ gilt: Wenn man den Akzent zu stark setzt, werden auch die Zischlaute (also die sch- oder s-ähnlichen, luftigen Geräusche) deutlicher hörbar. Daher sollte man den Akzent nicht höher setzen als nötig.

Wenn sich Akzent und Lautstärke bis zu einem gewissen Grad anpassen lassen, kann man allein damit einen Gesang erzeugen, der recht authentisch wirkt.

Fasse zuerst den Rhythmus zusammen und füge dann Ausdruck hinzu

Die Bearbeitung von Vocaloid-Parts besteht nicht nur aus Rhythmus und Lautstärke.

• Klarheit (CLR) und Helligkeit (BRI), die dazu beitragen, gedämpfte Bereiche heller klingen zu lassen
• Dynamik (DYN) zur Lautstärkeregelung
• Genderfaktor (GEN) zur Anpassung der Stimmqualität
• Und die Cross-Synthese (XSY), die den Stimmtyp morpht

Auch wenn nicht alles verwendet wird, erfolgt die Anpassung der Mimik erst nach der Anpassung von Rhythmus und Lautstärke.

Wenn man nach dem Hinzufügen der Gesichtsausdrücke noch den Rhythmus ein wenig ändern möchte, wird es äußerst umständlich. Deshalb empfehle ich es Anfängern nicht.

Lautstärkeregelung

Zunächst passen wir DYN grob an.

Legen Sie innerhalb der Tonhöhen des Gesangs eine grob als Referenz dienende Tonhöhe fest und passen Sie die DYN so an, dass sie der Lautstärke dieser Tonhöhe entspricht.

Auch wenn es unmöglich ist, die Streuung vollständig zu unterdrücken, sollte man sie bis zu einem gewissen Grad anpassen, da es beim späteren Zusammenführen sonst unpraktisch wird; daher werde ich sie während der Wiedergabe anpassen.

Töne unterhalb der Referenztonhöhe werden tendenziell etwas leiser, während Töne oberhalb leicht lauter eingestellt werden. Bitte passen Sie dies an, während Sie auf das Meter achten.

Töne, die man betonen möchte, oder solche, die man nicht deutlich aussprechen will, werden jeweils an den entsprechenden Stellen individuell angepasst.

In diesem Stück ist die Stelle „todoke boisu“, die beim zweiten Auftreten in der A-Melodie des Gesangs vorkommt, so umgesetzt, dass das abschließende „s“ eher stimmlos im englischen Sinn ausgesprochen wird; daher wurde es als stimmloser Laut mit dem phonetischen Zeichen „_0“ markiert.

Wenn man es so lässt, wird der letzte Klang „boi(su)“ in die Länge gezogen, daher schalte ich den Ton mit DYN stumm, damit er kurz abgeschnitten wird.

Der hohe Teil der B‑Melodie ist im Gegensatz dazu eine Stelle, an der man die Stimme kräftiger einsetzt, daher habe ich DYN etwas angehoben, damit es mehr hervorsticht.

Stimmqualitätsanpassung

Diesmal lasse ich in einer relativ niedrigen Tonlage singen, daher habe ich den als Referenz dienenden GEN niedriger eingestellt.

Wenn man bei tiefen Tönen den GEN-Wert erhöht, wird die Stimme neutraler, aber gleichzeitig neigt sie eher zum Grollen und die Lautstärke kann ungleichmäßig werden. Daher sollte man die Eigenheiten des verwendeten Vocaloids untersuchen und entsprechend einsetzen.

Wenn der Unterschied in der Tonhöhe groß ist, neigen die hohen Töne dazu, dünn zu klingen, wenn GEN niedrig ist. Daher erhöhe ich bei hohen Tönen den GEN-Wert eher großzügig, um entsprechend zu justieren.

Dieses Mal habe ich die Einstellungen absichtlich so weit angepasst, dass sowohl die Lautstärke- als auch die Stimmveränderung deutlich erkennbar sind. Ich denke, so ist gut nachvollziehbar, wie sich der Klang verändert.

Wenn man anfangs grob die Richtung festlegt und dann wiederholt schrittweise verfeinert, kann man die Ausdruckskraft verbessern.

Wenn Orchester und Melodie fertig sind, ist es (vorerst) abgeschlossen.

Wenn alle Teile zusammen ausgegeben werden, ist es vorerst abgeschlossen.

Insgesamt habe ich den Klangfarbenabgleich und die Einwürfe noch nicht vollständig ausgearbeitet, daher möchte ich dieses Stück weiterhin weiter anpassen.

Beim Mischen gibt es je nach Genre und Ausrichtung verschiedene Herangehensweisen. Schauen Sie sich daher unbedingt den Artikel über das Mischen an und probieren Sie verschiedene Dinge aus.

Auch nur mit den standardmäßig mitgelieferten Klangquellen kann man, wie in diesem Fall, eine Menge machen.

Wie auch immer, versuchen wir zunächst, es wenigstens in einer Form zu bringen, selbst wenn es nur eines ist.

Natürlich ist es auch praktisch, die Verwendung so zu gestalten, dass man nicht unbedingt einen ganzen Song per Programmierung erstellt, sondern teilweise Soundeffekte oder die Stimme eines Vocaloids einfügt.

Wenn Sie es nur ein wenig einbauen möchten, benötigen Sie keine teure Umgebung oder Werkzeuge – probieren Sie es also ganz unbeschwert aus.