Quand on parle des animes des années 2000, lesquels vous viennent à l’esprit ?
À cette époque, on a vu apparaître de nombreuses œuvres qualifiées de « kuhki-kei » (atmosphère) ou « nichijō-kei » (slice of life), des séries réalistes et familières proches du quotidien des étudiants.
Dans cet article, nous présentons des œuvres populaires parmi les animes des années 2000 !
Nous avons sélectionné une variété de titres, allant bien sûr des œuvres d’atmosphère et du quotidien à celles mettant en scène de grands événements ou de la magie, loin du train-train quotidien.
Il se peut que certaines fassent partie de celles dont vous étiez fan !
Que vous ayez été accro à l’époque ou que vous les découvriez pour la première fois, n’hésitez pas à y jeter un œil !
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Animes populaires recommandés des années 2000 (1 à 10)
La Mélancolie de Haruhi Suzumiya
Beaucoup de gens ont peut-être commencé à s’intéresser à l’animation à partir d’ici. Voici une œuvre emblématique de la scène anime des années 2000 : « La Mélancolie de Haruhi Suzumiya ». Il s’agit d’un anime adapté du light novel de Nagaru Tanigawa, qui déploie une étrange histoire scolaire centrée sur Kyon, le narrateur, et l’héroïne Haruhi Suzumiya. L’une des raisons de son succès tient à la présence d’Internet, qui a connu une forte croissance à la même époque que l’anime. À mesure que se formait le cadre général de la culture otaku — avec 2channel et Niconico, entre autres —, l’anime « La Mélancolie de Haruhi Suzumiya » a lui aussi déclenché une vague d’engouement. On a tous regardé la danse de l’ending un nombre incalculable de fois, n’est-ce pas ? La série télévisée existe en une version de 2006 et une version de 2009, cette dernière reprenant la première saison comme base de production.
K-ON!
Depuis le début de sa diffusion en tant qu’anime de fin de soirée en avril 2009, « K-ON! » a déclenché un engouement tel qu’on a parlé de phénomène de société. Adaptée du manga de Kakifly, cette œuvre dépeint avec légèreté des lycéennes membres d’un club de musique légère. Malgré sa tonalité douce, elle a attiré l’attention pour les scènes du quotidien subtilement mises en valeur et les performances de groupe dynamiques superbement animées par Kyoto Animation, ainsi que pour la grande qualité des chansons originales du groupe fictif « After School Tea Time » apparaissant dans la série. L’œuvre a poussé certaines personnes à se mettre à un instrument, dépassant le cadre d’un simple anime de groupe pour influencer largement la culture au sens large. En 2010, la deuxième saison « K-ON!! » a été diffusée, et en 2011 le film « K-ON! Le film », situé à Londres, est sorti en salle, tous deux rencontrant un immense succès. Les CD sortis sous le nom d’After School Tea Time se sont classés en haut des charts Oricon, et l’on dit que le marché lié à la franchise a dépassé 15 milliards de yens. Même aujourd’hui, on peut dire que le fait que les doubleurs incarnant les personnages aient joué des instruments lors de concerts live a contribué à lancer un véritable boom médiatique durable. Pour ma part, au-delà de ces records impressionnants, j’aimerais surtout que l’on souligne la finesse avec laquelle sont dépeints ces jours de jeunesse au lycée, courts mais précieux, ainsi que la richesse des expressions et des émotions des personnages, et cette atmosphère si particulière.
Toradora!
Considéré comme un anime emblématique de la fin des années 2000, « Toradora! » est une œuvre incontournable. Adaptée du light novel de Yuyuko Takemiya, la version télévisée de « Toradora! » a été réalisée par Tatsuyuki Nagai, avec un scénario de Mari Okada et un character design de Masayoshi Tanaka. Il est également connu que cette équipe principale donnera plus tard naissance au chef-d’œuvre « Ano Hi Mita Hana no Namae o Bokutachi wa Mada Shiranai ». Dans « Toradora! », on suit une fresque de jeunes gens centrée sur Taiga Aisaka, une héroïne au tempérament explosif interprétée par Rie Kugimiya, et Ryuuji Takasu, qui, malgré son apparence intimidante, est sensible et attentionné. Bien qu’il s’agisse d’une comédie romantique, l’œuvre n’hésite pas à aborder des thèmes sérieux comme la cruauté liée à la jeunesse, les débordements émotionnels incontrôlables et les problèmes familiaux, ce qui a profondément marqué les spectateurs qui l’ont découverte via l’anime. Les performances du casting vocal sont unanimement saluées, et quel que soit le personnage auquel on s’attache, l’histoire ne manquera pas de bouleverser.
Mobile Suit Gundam (SEED/00)
« Mobile Suit Gundam » est une série considérée comme une pierre angulaire de l’animation de robots, diffusée depuis 1979. Parmi les œuvres de la série qui ont particulièrement gagné en popularité dans les années 2000, on peut citer « Mobile Suit Gundam SEED » et « Mobile Suit Gundam 00 ». « Mobile Suit Gundam SEED » raconte l’histoire de deux amis d’enfance qui se retrouvent sur le champ de bataille et finissent par s’affronter en tant qu’ennemis ; c’est une œuvre qui facilite l’empathie et que l’on recommande comme porte d’entrée dans l’univers Gundam. Dans « Mobile Suit Gundam 00 », les protagonistes apparaissent en tant que terroristes intervenant militairement dans tous les conflits du monde. C’est une œuvre profonde qui pousse à réfléchir à la question « qu’est-ce que la justice ? ». En plus de l’attrait esthétique des mobiles suits, Gundam amène aussi à réfléchir aux sentiments des personnes qui se battent sur le front et à la véritable paix ; une fois que l’on commence, on a envie de voir toute la série. C’est un anime vivement recommandé.
Code Geass: Lelouch de la rébellion
La série « Code Geass: Lelouch of the Rebellion » a conquis le cœur du public avec une représentation du héros en antagoniste, un concept inédit jusqu’alors. Le synopsis initial présente Lelouch, prince de l’Empire sacré de Britannia, qui fonde l’organisation de résistance sous l’identité de l’homme masqué Zero afin d’accomplir sa vengeance contre l’Empire. Les batailles intellectuelles utilisant le pouvoir particulier de Lelouch, le « Geass », l’humanité captivante des personnages, et l’ampleur d’une histoire à l’échelle d’une nation expliquent les raisons de son succès. La version télévisée comprend la première saison diffusée en 2006, puis « Code Geass: Lelouch of the Rebellion R2 » à partir de 2008. Plus on la suit, plus on se surprend à penser: « Mais que va-t-il se passer ensuite ?! »
Le Livre des Amis de Natsume
Bien qu’il s’agisse d’une œuvre d’animation adaptée d’un manga, la force motrice qui a fait de la série un anime de longue haleine — depuis la diffusion de la première saison en 2008 jusqu’à la sixième en 2017 — réside entièrement dans le charme propre à Natsume Yūjin-chō. Toujours en cours de publication en 2022, cette œuvre populaire de Yuki Midorikawa raconte, autour de son protagoniste Takashi Natsume, doté de la faculté de voir les yōkai (créatures spirituelles), les liens et relations singuliers entre humains et yōkai. Sans trahir l’atmosphère quelque peu nostalgique de l’original, l’adaptation animée, portée par l’interprétation passionnée des comédiens, insuffle la vie à des personnages qui évoluent avec vivacité, ce qui lui a valu dès le départ une grande estime. Le yōkai nommé Madara, que Natsume rencontre dans le premier épisode, prend au quotidien l’apparence d’un maneki-neko servant de réceptacle et est appelé « Nyanko-sensei ». Grâce, entre autres, à l’excellente performance de Kazuhiko Inoue qui lui prête sa voix, Nyanko-sensei est devenu un personnage extrêmement populaire, donnant lieu à une vaste gamme de produits dérivés. Même ceux qui ne connaissent pas l’œuvre ont sans doute déjà vu une peluche ou un porte-clés à l’effigie de Nyanko-sensei, reconnaissable à son apparence caractéristique. Natsume Yūjin-chō, c’est avant tout — comme évoqué plus haut — la beauté de ses histoires tantôt émouvantes, tantôt tristes, centrées sur les événements nés des relations entre humains et yōkai. Les fans de Natsume Yūjin-chō peuvent facilement citer un épisode favori qui les fait pleurer à chaque visionnage. Incontournable aussi, la magnifique bande originale composée par le pianiste et compositeur Makoto Yoshimori : si l’œuvre vous a plu, n’oubliez pas d’écouter la BO !
Hikaru no Go
Hikaru no Go est une œuvre emblématique du Weekly Shonen Jump des années 2000. Bien qu’il s’agisse d’un manga au style rare, ayant pour thème le go, c’est un grand classique qui a remporté un large succès. La série a même déclenché une véritable vague: certaines personnes ont commencé le go après avoir vu l’anime Hikaru no Go. En plus du récit de croissance classique du protagoniste Hikaru et de son rival Akira Tōya, la finesse des descriptions psychologiques, captivantes même pour ceux qui ne connaissent pas le go, suscite une forte empathie. Les quiproquos avec Sai, le génie joueur de go de l’époque Heian qui hante Hikaru, sont adorables; si le début comporte de nombreux passages comiques et amusants, l’intensité dramatique s’approfondit au fil de l’histoire et devient bouleversante. Les superbes designs de personnages de Takeshi Obata constituent également un immense atout qui envoûte le lecteur. Yuta Iyama, qui est apparu à l’âge de 12 ans dans la mini-rubrique d’après-épisode de l’anime, “GOGO Igo” par Yukari Umezawa, a ensuite accompli l’exploit de détenir simultanément les sept titres majeurs à deux reprises en tant que joueur professionnel, et a de plus réalisé en 2022 un record impressionnant de 11 défenses consécutives du titre Honinbo, un titre familier pour les fans de Hikaru no Go. Même Sai en resterait bouche bée ! J’ai l’impression qu’il se crée ainsi une belle synergie avec le monde réel du go, ce que je trouve formidable. Je vous encourage à l’aborder avec une sensibilité libre et à en profiter pleinement !
