Wenn es um Anime der 2000er geht, an welche Serien denkst du?
Anime aus dieser Zeit wurden als „Atmosphären-Anime“ oder „Slice of Life“ bezeichnet, und es erschienen viele Werke, die realistisch und vertraut wirkten, als wären sie dem Alltag von Schülern nahe.
In diesem Artikel stellen wir beliebte Werke aus den 2000er Jahren vor!
Wir haben eine vielfältige Auswahl getroffen – natürlich Werke aus den Bereichen „Atmosphäre“ und „Slice of Life“, aber auch Serien, in denen große Ereignisse oder Magie fernab des Alltags vorkommen.
Vielleicht ist auch ein Werk dabei, das dich damals völlig in seinen Bann gezogen hat!
Egal ob du damals schon begeistert warst oder die Titel zum ersten Mal schaust – wirf auf jeden Fall einen Blick darauf!
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Empfohlene beliebte Anime der 2000er (1–10)
Die Melancholie der Haruhi Suzumiya
Viele von euch sind wahrscheinlich erst ab diesem Punkt so richtig in Anime eingestiegen. Ein Werk, das die Animeszene der 2000er Jahre symbolisiert, ist Die Melancholie der Haruhi Suzumiya. Die Serie basiert auf den Light Novels von Nagaru Tanigawa und erzählt eine rätselhafte Schulgeschichte, die sich um den Erzähler Kyon und die Heldin Haruhi Suzumiya dreht. Einer der Gründe für den großen Erfolg war die parallele Entwicklung des Internets, das in dieser Zeit enorm gewachsen ist. Mit Plattformen wie 2channel und Nico Nico Douga bildeten sich die Grundpfeiler der sogenannten Otaku-Kultur heraus, und gleichzeitig wurde der Anime Die Melancholie der Haruhi Suzumiya zum Boom. Den Tanz im Ending haben wir doch alle unzählige Male gesehen, oder? Von der TV-Serie gibt es eine Fassung von 2006 und eine Version von 2009, die auf der ersten Staffel aufbaut.
K-ON!
Seit die Ausstrahlung im April 2009 als Late-Night-Anime begann, löste „K-On!“ einen Boom aus, der als gesellschaftliches Phänomen bezeichnet wurde. Vorlage ist der Manga von Kakifly; obwohl das Werk die Mädchen des Leichtmusikklubs locker und entspannt begleitet, erregten sowohl die wunderschönen Animationen von Kyoto Animation, die unaufgeregten Alltagsmomente und die mitreißenden Band-Performance-Szenen, als auch das hohe Niveau der eigens konzipierten Songs der im Werk auftretenden Band „Houkago Tea Time“ große Aufmerksamkeit. Es gab sogar Menschen, die durch dieses Werk erst zu Musikinstrumenten gegriffen haben; damit überschritt es den Rahmen eines bloßen Band-Animes und übte einen enormen Einfluss auf die gesamte Kultur aus. 2010 folgte die zweite Staffel „K-On!!“, 2011 kam der Kinofilm „K-On! – Der Film“, der in London spielt – beide wurden große Hits. Auch die unter dem Namen Houkago Tea Time veröffentlichten CDs erreichten Spitzenplätze in den Oricon-Charts; das Marktvolumen soll über 15 Milliarden Yen gelegen haben. Dass die Synchronsprecherinnen, die die Charaktere verkörpern, tatsächlich Instrumente spielten und Live-Konzerte gaben, schuf einen Ausgangspunkt für eine anhaltende, breit angelegte Medienexpansion, die bis heute nachwirkt. Persönlich möchte ich neben diesen beeindruckenden Rekorden vor allem die sorgfältige Darstellung der kurzen, aber kostbaren Jugendentage der Oberschulzeit hervorheben – die reichen Gesichtsausdrücke und emotionalen Nuancen der Figuren sowie die eingefangene Atmosphäre –, die meiner Meinung nach besondere Beachtung verdienen.
Toradora!
Als ein Anime, der das späte 2000er-Jahrzehnt repräsentiert, wird „Toradora!“ immer als Meisterwerk genannt. Vorlage ist der Light Novel von Yuyuko Takemiya; die TV-Adaption von „Toradora!“ entstand unter der Regie von Tatsuyuki Nagai, mit Drehbuch von Mari Okada und Charakterdesign von Masayoshi Tanaka. Bekannt ist auch, dass das Team, das später das Meisterwerk „Anohana: Die Blume, die wir an jenem Tag sahen“ schuf, hier als Hauptstab beteiligt war. „Toradora!“ ist ein Ensemble-Drama über Jugendliche, das sich um die von Rie Kugimiya gesprochene, äußerst eigenwillige Heldin Taiga Aisaka und Ryuuji Takasu dreht, der trotz furchteinflößendem Äußeren sensibel ist und sich um andere kümmert. Zwar ist es eine romantische Komödie, doch werden auch ernste Themen wie die Grausamkeit der Jugend, ungebremste Gefühlsaufwallungen und familiäre Probleme unverblümt dargestellt – was Zuschauer, die durch den Anime erstmals damit in Berührung kamen, stark beeindruckte. Die Leistungen der beteiligten Sprecherinnen und Sprecher sind durchweg hoch, und egal mit welcher Figur man mitfühlt, wird man emotional tief berührt.
Mobile Suit Gundam (SEED/00)
„Mobile Suit Gundam“ ist eine Reihe, die seit 1979 läuft und als Meilenstein des Robot-Anime gilt. Zu den besonders beliebten Werken der 2000er Jahre zählen „Mobile Suit Gundam SEED“ und „Mobile Suit Gundam 00“. „Mobile Suit Gundam SEED“ erzählt die Geschichte zweier Kindheitsfreunde, die sich auf dem Schlachtfeld wiedersehen und schließlich als Feinde gegeneinander kämpfen müssen – eine emotional zugängliche Serie, die sich als Einstieg in das Gundam-Universum empfiehlt. In „Mobile Suit Gundam 00“ treten die Protagonisten als Terroristen auf, die mit Waffengewalt in alle Konflikte der Welt eingreifen. Die Serie regt dazu an, über die Frage „Was ist Gerechtigkeit?“ nachzudenken und geht in die Tiefe. Gundam fasziniert nicht nur durch das coole Design der Mobile Suits, sondern bringt einen auch dazu, über die Gefühle der Menschen im Krieg und über den wahren Frieden nachzudenken – einmal angefangen, möchte man die gesamte Reihe sehen. Absolut empfehlenswert.
Code Geass: Lelouch der Rebellion
Die Reihe „Code Geass: Lelouch of the Rebellion“ eroberte die Herzen der Zuschauer mit einem bis dahin ungekannten Heldenbild: einem Protagonisten als Antagonisten. Der Prinz des Heiligen Britannischen Imperiums, der Protagonist Lelouch, gründet als der maskierte Mann Zero eine Widerstandsorganisation, um Rache am Imperium zu nehmen – so beginnt die Handlung. Gründe für die große Fangemeinde sind die geistigen Duelle mithilfe von Lelouchs besonderer Fähigkeit „Geass“, die fesselnde Menschlichkeit der Figuren und die epische, nationenübergreifende Erzählung. Die TV-Fassung umfasst die erste Staffel von 2006 sowie „Code Geass: Lelouch of the Rebellion R2“ ab 2008. Je weiter man schaut, desto mehr fragt man sich: „Wie geht es jetzt weiter?!“
Natsume Freundesbuch
Auch wenn es sich um eine Anime-Adaption mit Vorlage handelt, lässt sich sagen, dass die treibende Kraft hinter der Tatsache, dass seit der Ausstrahlung der ersten Staffel im Jahr 2008 bis 2017 bereits sechs Staffeln gesendet wurden und die Serie so zu einem langlebigen Anime geworden ist, allein in dem Reiz dieses Werks „Natsume Yūjin-chō“ liegt. „Natsume Yūjin-chō“, das auf dem beliebten Manga von Yuki Midorikawa basiert und auch im Jahr 2022 noch fortlaufend erscheint, erzählt die Geschichte von Takashi Natsume, dem Protagonisten, der die Fähigkeit besitzt, Yōkai – Wesen der übernatürlichen Art – zu sehen, und schildert die merkwürdigen Bande und Beziehungen zwischen Menschen und Yōkai. Die Anime-Version, die den leicht nostalgischen Ton des Originals bewahrt und deren Figuren durch die engagierten Darbietungen der Sprecher mit Leben erfüllt werden, wurde von Anfang an hoch geschätzt. Der Yōkai, dem Natsume in Episode 1 begegnet und der Madara genannt wird, erscheint im Alltag in der Gestalt eines Glückskatzen-Talismans und wird „Nyanko-sensei“ genannt. Dank der wunderbaren Leistung von Kazuhiko Inoue, der Nyanko-sensei spricht, entwickelte sich die Figur zu einem äußerst beliebten Charakter mit einer breiten Palette an Merchandise-Artikeln. Selbst wer das Werk nicht kennt, hat sicherlich schon einmal Plüschtiere oder Schlüsselanhänger von Nyanko-sensei mit seinem charakteristischen Aussehen gesehen. Typisch für „Natsume Yūjin-chō“ ist – wie erwähnt – die großartige Erzählweise, die auf Ereignissen beruht, die sich aus den Beziehungen zwischen Menschen und Yōkai ergeben: mal bewegend, mal traurig. Als Fan von „Natsume Yūjin-chō“ kann man bestimmt sofort seine Lieblingsfolge nennen, bei der man jedes Mal in Tränen ausbricht. Unverzichtbar für die Anime-Version ist auch der wunderschöne Soundtrack des Pianisten und Komponisten Makoto Yoshimori; wer das Werk schätzt, sollte sich unbedingt auch den Soundtrack anhören!
Hikaru no Go
Ein Werk, das die 2000er-Jahre des Weekly Shonen Jump repräsentiert: „Hikaru no Go“. Obwohl es sich um einen ungewöhnlichen Manga zum Thema Go handelt, wurde es zu einem beliebten Klassiker. Die Serie löste sogar einen Boom aus – es gab viele, die nach dem Anime „Hikaru no Go“ selbst mit Go begannen. Neben der klassischen Entwicklungsgeschichte des Protagonisten Hikaru und seines Rivalen Akira Toya überzeugt das Werk durch feinfühlige Darstellungen innerer Zustände, die selbst Menschen ohne Go-Vorkenntnisse in den Bann ziehen. Die turbulenten Episoden mit Sai, dem genialen Go-Meister aus der Heian-Zeit, der Hikaru erscheint, sind liebenswert; gerade am Anfang gibt es viele komische und unterhaltsame Szenen, doch je weiter die Geschichte voranschreitet, desto mehr berührt ihre tiefgehende Dramatik. Ein großer Reiz sind auch die wunderschönen Charakter-Illustrationen von Takeshi Obata, die einen regelrecht verzaubern. Yuta Iyama, der im damaligen Mini-Segment nach der Anime-Hauptfolge, „Yukari Umezawas ‘GOGO Igo’“, im Alter von 12 Jahren auftrat, hat später als Profispieler zweimal alle Titel gleichzeitig gehalten und damit den Siebenkronen-Status erreicht; außerdem stellte er 2022 mit elf aufeinanderfolgenden Verteidigungen des aus „Hikaru no Go“ wohlbekannten Titels „Honinbo“ eine außergewöhnliche Bestmarke auf. Da wäre selbst Sai verblüfft! Ich finde es großartig, wie so eine Wechselwirkung mit der realen Go-Welt entsteht, und hoffe, ihr genießt das Ganze mit einer freien, offenen Haltung!
